Pintor italiano Giovanni Bellini

Giovanni Bellini, (nacido alrededor de 1430, Venecia [Italia], fallecido en 1516, Venecia), pintor italiano que, en su trabajo, reflejó el creciente interés del medio artístico veneciano en las innovaciones estilísticas y las preocupaciones del Renacimiento. Aunque las pinturas para la sala del Gran Consejo de Venecia, consideradas sus mejores obras, fueron destruidas por el fuego en 1577, una gran cantidad de retablos (como el de la iglesia de los Santos Giovanni e Paolo en Venecia) y otras obras existentes muestran una evolución constante del énfasis narrativo puramente religioso a un nuevo naturalismo de escenario y paisaje.

Examen

Historia europea

¿Cuál de estas batallas involucró a los hunos?

Poco se sabe sobre la familia de Bellini. Su padre, Jacopo, pintor, fue alumno de Gentile da Fabriano, uno de los pintores más importantes de principios del siglo XV, y pudo haberlo seguido hasta Florencia. En cualquier caso, Jacopo introdujo los principios del Renacimiento florentino en Venecia antes que cualquiera de sus hijos. Aparte de sus hijos Gentile y Giovanni, tuvo al menos una hija, Niccolosa, que se casó con el pintor Andrea Mantegna en 1453. Ambos hijos probablemente comenzaron como asistentes en el taller de su padre.

Las primeras pinturas independientes de Giovanni fueron influenciadas por el elegante estilo gótico tardío de su padre, Jacopo, y por la forma severa de la escuela de Paduan, y especialmente de su cuñado, Mantegna. Esta influencia es evidente incluso después de que Mantegna se fue a la corte de Mantua en 1460. Las primeras obras de Giovanni datan de antes de este período. Incluyen una crucifixión, una transfiguración y un Cristo muerto apoyado por ángeles. Varias imágenes de la misma fecha o de una anterior se encuentran en los Estados Unidos, y otras se encuentran en el Museo Cívico Correr en Venecia. Cuatro trípticos, conjuntos de tres paneles utilizados como retablos, todavía están en la Academia de Venecia, y dos Pietàs, ambos en Milán, pertenecen a este período temprano. Sus primeros trabajos están bien ejemplificados en dos hermosas pinturas, La sangre del Redentor y La agonía en el jardín.

En todas sus primeras fotografías, trabajó con temple, combinando la severidad y rigidez de la escuela de Paduan con un profundo sentimiento religioso y un camino humano propio. Sus primeras Madonnas, siguiendo la tradición de su padre, son en su mayoría de expresión dulce, pero sustituyó por una riqueza principalmente decorativa, extraída de una observación sensual de la naturaleza. Aunque el pronunciado elemento lineal, es decir, el dominio de la línea en lugar de la masa como un medio para definir la forma, derivado de la tradición florentina y de la precoz Mantegna, es evidente en las pinturas, la línea es menos consciente de sí misma que el trabajo de Mantegna, y, desde el principio, los planos ampliamente esculpidos ofrecen sus superficies a la luz de un cielo dramáticamente brillante. Desde el principio, Giovanni Bellini fue un pintor de luz natural, al igual que Masaccio, el fundador de la pintura renacentista, y Piero della Francesca, su mayor practicante en ese momento. En estas primeras imágenes, es probable que el cielo se refleje detrás de las figuras en rayas de agua que forman líneas horizontales en una simple franja de paisaje. En The Agony in the Garden (1465), el horizonte se mueve hacia arriba, y un paisaje amplio y profundo encierra las figuras, para jugar un papel igual en la expresión del drama de la escena. Al igual que con los dramatis personae, la estructura elaboradamente lineal del paisaje proporciona gran parte de la expresión, pero los colores del amanecer juegan un papel aún mayor, en su brillo total y en la luz reflejada dentro de la sombra. Esta es la primera de una gran serie de escenas de paisajes venecianos que se desarrollaría continuamente durante un siglo o más. Para una ciudad rodeada de agua, el valor emocional del paisaje ahora se reveló por completo. Una comparación con el tratamiento de Mantegna del mismo tema revela las diferencias sutiles pero fundamentales en los estilos de los dos maestros.

El gran retablo compuesto con San Vicente Ferrer, que todavía se encuentra en la iglesia de los Santos Giovanni e Paolo en Venecia, fue pintado tal vez 10 años después, hacia mediados de la década de 1470. Pero los principios de composición y el método de pintura aún no habían cambiado esencialmente; simplemente se habían vuelto más fuertes en expresión. Parece que fue durante un viaje por la costa del Adriático, realizado probablemente no mucho después, que Bellini encontró la influencia que más le ayudó a su pleno desarrollo: la de Piero della Francesca. La gran coronación de la Virgen de Bellini en Pesaro, por ejemplo, podría haber reflejado algunos de los elementos compositivos de la coronación perdida de la Virgen de Piero, pintada como el panel central de un políptico. La coronación de Cristo de su madre bajo la refulgencia del Espíritu Santo es un acto solemne de consagración, y los cuatro santos que son testigos junto al trono se caracterizan por su profunda humanidad. Cada cualidad de sus formas se realiza plenamente: cada aspecto de sus cuerpos, las texturas de sus prendas y los objetos que sostienen. Al igual que con el trabajo de Masaccio y Piero della Francesca, la perspectiva del pavimento y el trono ayuda a establecer el grupo en el espacio, y el espacio se agranda por las grandes colinas detrás y se vuelve infinito por la luminosidad del cielo, que envuelve la escena y se reúne todas las formas juntas en una.

En este momento de su vida, Giovanni Bellini también conoció a Antonello da Messina, quien viajó a Venecia alrededor de 1475. El encuentro resultó ser influyente para ambos pintores. Los cambios en el trabajo de Giovanni de su estilo anterior, Mantegnesque a la forma más madura, independiente y versátil de sus obras posteriores ya son visibles en el Retablo de San Giobbe.

Es la forma en que el pintor usa el medio lo que marca la diferencia, y eso depende de sus intenciones y su visión. Fue la visión más rica y amplia de Bellini lo que determinó su desarrollo futuro. A diferencia de la pintura al temple, que fue el medio de la carrera inicial de Bellini, la pintura al óleo tiende a ser más transparente y fusible y, por lo tanto, se presta a un color y tono más ricos al permitir un mayor grado de acristalamiento, la colocación de una capa de color translúcida sobre otro. Esta técnica y la variedad sin precedentes con la que Bellini manejó la pintura al óleo le dan a su pintura totalmente madura la riqueza asociada con la escuela veneciana.

El hermano de Giovanni, Gentile, fue elegido por el gobierno para continuar pintando grandes escenas históricas en el salón del Gran Consejo de Venecia; Pero en 1479, cuando Gentile fue enviado en una misión a Constantinopla (ahora Estambul), Giovanni tomó su lugar. Desde ese momento hasta 1480, gran parte del tiempo y la energía de Giovanni se dedicó a cumplir con sus deberes como conservador de las pinturas en el salón, así como a pintar seis o siete lienzos nuevos. Estas fueron sus mejores obras, pero fueron destruidas cuando el gran salón fue destruido por el fuego en 1577. Los estudiantes contemporáneos de su trabajo ahora solo pueden obtener una idea aproximada de su diseño de El martirio de San Marcos en la Scuola di San Marco en Venecia, terminada y firmada por uno de los asistentes de Giovanni, y de su ejecución tras la finalización de Giovanni de la predicación de San Marcos de Gentile en Alejandría después de la muerte de su hermano en Venecia en 1507.

Sin embargo, un número sorprendentemente grande de grandes retablos y obras comparativamente portátiles han sobrevivido y muestran la evolución constante pero aventurera de su trabajo. Los principios y la técnica del Retablo de Pesaro encuentran su pleno desarrollo en el retablo aún más grande de la Virgen de San Giobbe en la Academia de Venecia, donde la Virgen entronizada en un gran ábside y los santos a su lado parecen estar listos para fundirse en lo reflejado. ligero. Esto parece haber sido pintado antes de la primera de sus imágenes anticuadas, la Madonna degli Alberetti (1487) de longitud media, también en la Academia de Venecia.

Mientras que durante los primeros 20 años de la carrera de Giovanni limitó su tema principalmente a temas religiosos tradicionales (Madonnas, Pietàs y Crucifixiones), hacia el final del siglo comenzó a enriquecerse no tanto por la elección más amplia de temas como por el desarrollo de la puesta en escena, la configuración física de la imagen. Se convirtió en uno de los mejores pintores de paisajes. Su estudio de la luz exterior fue tal que se puede deducir no solo la estación representada sino casi la hora del día.

Bellini también se destacó como pintor de escenas ideales, es decir, escenas de imágenes primitivas en lugar de imágenes individualizadas. Para San Francisco en éxtasis de la Colección Frick o San Jerónimo en sus meditaciones, pintadas para el altar mayor de Santa Maria dei Miracoli en Venecia, la anatomía de la tierra se estudia con tanto cuidado como las de las figuras humanas; pero el propósito de este naturalismo es transmitir el idealismo a través de la representación realista de los detalles. En el paisaje de la Sagrada Alegoría, ahora en los Uffizi, creó la primera de las enigmáticas escenas de ensueño por las que Giorgione, su alumno, se hizo famoso. La misma calidad de idealismo se encuentra en su retrato. Su dux Leonardo Loredan en la National Gallery, Londres, tiene toda la sabia y amable firmeza del jefe de estado perfecto, y su Retrato de un joven (c. 1505; se cree que es una semejanza del escritor y humanista veneciano Pietro Bembo) en la colección real británica retrata toda la sensibilidad de un poeta.

Tanto artística como personalmente, la carrera de Giovanni Bellini parece haber sido serena y próspera. Vivió para ver su propia escuela de pintura alcanzar el dominio y la aclamación. Vio su influencia propagada por una gran cantidad de alumnos, dos de los cuales superaron a su maestro en fama mundial: Giorgione, a quien sobrevivió por seis años, y Tiziano.

La única descripción existente de la personalidad de Giovanni es de la mano del gran artista renacentista alemán Albrecht Dürer, quien escribió al humanista alemán Willibald Pirkheimer de Venecia en 1506: “Todos me dicen que es un hombre recto, por lo que soy realmente aficionado de él. Es muy viejo y aún así es el mejor pintor de todos ".